Se me antojo un Helado y un látigo mágico es lo que vino a mi cabeza la primera vez que vi la portada de este asombroso disco que por primera vez en más de 10 años (12 concretamente) había sacado la banda de Pop Rock Británico Blur. El primero con la participación oficial de sus cuatro integrantes originales desde 1999 con 13. Sin dudas que muchos fanáticos de Blur (incluido yo) habíamos dado por sentado que la banda no volvería más a retomar un proyecto de tal magnitud. Pero la fe mueve montañas y bueno en 2015 se revelo este fantabuloso disco que a mi parecer es una obra maestra ya que se recopila todo lo aprendido por parte de todos los integrantes en la banda para crear algo sumamente mágico-espectacular.
El
día de hoy analizaremos este pedazo de álbum para aquellos que buscan ampliar
su gusto musical, para los curiosos y por su puesto aquellos fanáticos de Blur
que se esperaron tanto para esta aventura musical magistral.
Fecha
de Publicación: 27 de abril del 2015
Ponte
en contexto
La
grabación del álbum comenzó a realizarse durante la primavera de 2013 en los
estudios Avon de Kowloon en Hong Kong durante un periodo de descanso
de cinco días que la banda tuvo mientras se encontraban de gira por el
continente asiático. La producción del álbum fue retomada a finales de 2014
por Graham Coxon y Stephen Street, productor de los primeros álbumes
de la banda. Finalmente, para terminar de modelarlo, Damon Albarn se
encargó de ponerle las voces.
¿Magia?
Si. Por la voluntad, ganas y capacidad, se requiere de un elemento mágico que
ayude a olvidar los viejos rencores y permita dar vuelta a la página. Magia, también,
porque es increíble que la banda haya logrado producir, luego de haber estado
separada por todo ese tiempo, un álbum de la calidad de esta nueva producción.
El
día jueves, 19 de febrero de 2015, mediante una videoconferencia que tiene como
escenario un restaurante del barrio chino de Londres y que fue transmitida a
través de la página oficial del grupo en Facebook, se dio a conocer de manera
oficial al nuevo trabajo de estudio, así como la fecha de lanzamiento; asimismo
se anuncia que la banda realizaría un concierto en Hyde Park, el 20 de junio de
2015. La videoconferencia termina con la presentación de un vídeo lírico de la
canción Go Out.
Desmenuzando
canción por canción
El
primer track, Lonesome
Street, rememora inmediatamente
la época dorada del grupo: un riff de guitarra de acordes extraños, la voz
pícara de Albarn, referencias a líneas de trenes londinenses y guiños
sydbarretianos. Lonesome Street es una canción que me despierta, relaja y
anima. Es muy positiva. El solo parece como tono navideño. El riff es
increíble. Indie rock en su puro estado, se maneja sintetizadores combinados
con las melodías de la guitarra. La batería acompaña excelente. La segunda voz
le da un aire fresco. Guitarra y bajo en completa armonía. El video musical
esta un chino haciendo una danza que después se convierte en una coreografía.
Es una de mis canciones favoritas de todo el álbum.
Go out me
suena muy experimental ya que sabe utilizar todos los recursos a su favor, aquí
la batería resalta y se luce, se introducen elementos nuevos. Otro puro estilo
Indie Rock. La distorsión de las guitarras en el clímax de la canción te da una
sensación de energía al máximo. Recupera el nerviosismo distorsionado. Llenas de efectos, coros contagiosos, un sentimiento lo mismo festivo que
melancólico. La guitarra se luce. La letra es algo curiosa porque parece que
habla de política, de autoritarismo y como es que la gente de China se siente
amenazada, triste y encarcelada. Por otro lado parece que cuenta la historia de
una rutina azarosa. En el video se muestra preparando comida.
Ice Cream Man inicia con un tono de videojuego, la guitarra en el estribillo es hermosa, es una guitarra acústica. La canción hace referencia a la masacre de Tiananmen Square de 1989 o al incidente de Tiananmen Square, una serie de protestas lideradas por estudiantes en la República Popular China que ocurrieron entre el 15 de abril y 4 de junio de 1989, de ahí la línea "I was only twenty one when I watched on TV", pues teniendo en cuenta esto y la edad de Damon, él tendría 21 años durante estos sucesos, también haciendo referencia a la gran censura que tuvo esto. Para mi tiene una gran influencia de Gorillaz con un tema folk con relámpagos digitales en pocos segundos.
New World Towers, otra cuasi balada con un cierto sentimiento western.
Siento que es de lo nuevo de Blur, aunque sinceramente me gusto pero es algo así
como la más floja del disco. Utiliza diferentes efectos. Si la escuchan en
acústico se llevaran una gran sorpresa pues funciona mejor en su versión
acústica a mi parecer. Aunque el final de la canción es un cierre magistral,
mágico y único.
Thought I Was A Spaceman comienza con una cierta influencia davidbowiesca y algo
de guitarra española, estableciendo un ritmo por momentos futurista, por
momentos melancólico. Con seis minutos y dieciséis segundos, ‘Thought I Was A
Spaceman’ es la canción más larga del disco y también una de las más
elaboradas, representando la llegada a un supuesto mundo distópico en tres
partes distintas: comienza con un beat simple sobre el que Albarn canta con voz
distorsionada mientras Coxon juguetea con la melodía principal en su guitarra
acústica, arranca de verdad cuando se unen la batería y el bajo y termina con
Graham al micro y sus acordes siendo pasados por un filtro electrónico. La
interpretación que yo le doy es que a veces la melancolía y la tristeza son
necesarias para desarrollar resilencia, bien para hacernos sentir que somos
humanos, que esas emociones están ahí
para desahogarnos de nuestros demonios e intentar acércanos más a nuestro real
ser de diferentes maneras, es como ir
buscando nuestro corazón en dunas desérticas y ser nosotros mismos de nuevo.
I Broadcast melodía con un sonido directo y sin cortapisas que
recuerda un poco a Parklife o a Popscene aunque también tienen ese sabor de
renovación que corre por toda la placa. El video hace referencia a algunos álbumes
anteriores de Blur, como al video musical de Coffe and Tv con la lechita azul
de protagonista. Mostrando como ha llegado a influenciar las redes sociales, el
Internet y el basto mundo de la web. Una canción que tiene el estilo
caracterizado de Blur pero que lo combina con su estilo actual, es muy
pegajosa.
Sin dudas la mejor balada del disco suena con la batería y un pandero misterioso a modo introductorio para iniciar con My Terracotta Heart a primeras se nota una canción un tanto lenta y triste, la guitarra se mantiene casi siempre en la misma tonada. La canción suena madura, el bajo toma un poco de protagonismo en el último minuto de la canción. Que por cierto la guitarra hace una escalada hermosa, el coro al final cierra de forma calmada y pausada. La voz de Damon en esta rola es como la voz de un ángel a punto de cometer suicidio. La letra no se aleja tanto del ritmo sad, en la interpretación que yo le doy es como cuando tienes una pelea con algún ser querido y después de sentir la rabia viene el remordimiento, culpa, la nostalgia de reflexionar acerca de esas acciones, en la forma como lo expresaste así también en como heriste a esa persona ya sea tus padres, tus hermanos(as), tu pareja o un mejor amigo(a). https://www.youtube.com/watch?v=z1V-qZ7oG6k
There Are Too Many of Us es una canción un tanto futurista épica, que conforme avanza se vuelve más interesante. De hecho suena como si fuera una canción para la marcha, aunque combina elementos de producción que la hacen brillar. La guitarra llora tranquila en el minuto 3: 10 para darnos la sensación de que terminara abruptamente, en efecto termina como inicio. Te da la sensación de también estar en el espacio siendo un vaquero del mismo. El significado que le puedo dar a la canción toma en cuenta el contexto de China y la sobrepoblación a la que están sometidos, viviendo en casas pequeñas, sin espacio, donde se propaga la contaminación, donde la vida se mueve agitadamente controlable. https://www.youtube.com/watch?v=sDjYSaWiajw
Ahora
vamos con la canción que se roba el disco que combina diferentes estilos
musicales y que sin dudas es mi favorita número 1 de todo el disco, les hablo
del Barco Fantasmal o “Ghost Ship”
sin dudas es una genialidad y que moriría por escucharla en vivo, pues funciona
en ambas versiones. Con un bajo muy Funky de Alex James y ese tono de reggae,
un poco de calipso un poco del pop conquistador tipo Barry White para brindar
un momento de relajación. Es una perla que vale la pena escuchar de principio a
fin. Es ideal para dedicar a tu novia(o) o pareja en una cena romántica y
pedirle matrimonio. Su significado puede ser la interpretación que quieras,
aunque para mí es como volver a enamorarte luego de que se ha perdido la magia
o la chispa y las cosas no son como antes, reencontrar el amor eso es. Aquí es
cuando reflexionas acerca de porque Blur se tomó tantos años afuera, pues era
para aterrizar en esta nueva mezcla de sonidos, sobretodo reinventarse a sí
mismos valió la pena por escuchar esta joya musical.
Pyongyang captura las
impresiones de Albarn en su viaje a Corea del Norte y pasa del post-punk oscuro
de los primeros versos a un final épico y colaborativo entre Damon y Graham.
Una melodía que parece sacada del soundtrack de las películas de 007. Aunque a
mi parece, da la sensación de estar atrapado en la nada misma o como caer a un
agujero negro. En esta ocasión no le encuentro algún significado concreto
salvo que habla una vez más sobre la
ciudad de Corea del Norte.
La
tercera canción favorita de este álbum es sin dudas Ong, Ong. Que en si me gusto un
montón el video musical, pues recopila aquellos videojuegos de la era de los 80
y 90´s. El personaje principal es una sonriente bola amarilla, llamada Mr. OK,
quien debe rescatar a su amada Ms. OK de las garras de Mr. Cream y sus
secuaces. Con los que disfrutaron muchos infantes en aquella época. Después de
ver a los integrantes de Blur vestidos con botargas para representar a sus
respectivos personajes, el video te muestra los diferentes niveles del colorido
videojuego, con escenarios que recuerdan las gráficas de Mario Bros y una
historia de amor que te hará revivir la que protagonizaban las famosas cajitas
de leche en el clip para “Coffee and TV”. Ong Ong es la más populista, con una
estructura pop simple y un estribillo de “la la la” rápidamente memorable. La
letra se inspiró en el viaje que hizo Albarn hacia China en bote y que recuerda
que el viaje sería más divertido con sus colegas amigos. Aunque su estructura
sea básica a mí me encanta bastante.
Para
finalizar el disco tenemos Mirrorball una canción con un aura bastante
relajante a primeras impresiones. Me recuerda al frio de este Diciembre así
como también la Navidad. Me encanta como suena la guitarra y los demás instrumentos
que adornan la canción se vuelve una obra para que descanses profundamente o te
vayas a la cama con 0 preocupaciones. Es sin dudas una canción de amor en
tiempos de Pandemia, diría yo.
A
modo de Conclusión- Análisis General
Para
mí es un álbum único que se diferencia de los demás pues a través de la experiencia
en solitario de cada una de los integrantes de la banda, fue como rindieron
frutos y juntaron lo mejor de si para entregarnos un disco único e inigualable.
Eso si lo mantuvieron en secreto bien guardado sin mencionar que trabajaron
duro y se vio reflejado en el resultado. Con estilos diversos, nuevas armonías,
nuevos ritmos, nueva producción que cautiva el oído de quien escuche semejantes
rolas. Sin dudas le doy una valoración muy alta pues es uno de mis top 10 albúmenes
favoritos de la historia del pop rock británico. En generar nos dio un latigazo
mágico a los oídos.
- Ghost Ship
- Thought I Was A Spaceman
- Ong Ong
- Lonesome Street
- My Terracotta Heart
- Mirrorball
- Ice Cream Man
Valoración final 10 de 10
Después de este viaje mágico musical nos
despedimos para el siguiente podcast que ahora sí, será de un evento de lucha
libre o puede ser temática de lucha libre. ESPERENLO
Les dejo mi canción favorita del album ¡¡¡HASTA PRONTO MIS ADICTOS MUSICALES¡¡¡¡
